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Nuovi modi di pensare tecniche di di audience development: IL CASO CONNECT, BTS

Sembra strano in un momento in cui tutti stiamo lentamente cominciando a riprendere una vita normale voler parlare di un progetto che, per quanto risalga a solo qualche mese fa, sembra appartenere a un mondo completamente diverso, per la maggior parte di noi ancora inaccessibile, in cui frequentare spazi pubblici e musei faceva ancora parte della nostra routine.

Ma proprio per quello che ci ha insegnato l’esperienza di isolamento, che ha posto limiti alla nostra capacità di connettersi e comunicare, ci sembra importante parlare di esperienze innovative e proiettate verso un futuro in cui tutte le potenzialità del passato – l’immagine di un mondo senza confini e sempre più connesso – possano tornare ad essere rilevanti.

Lanciato a febbraio del 2020, CONNECT, BTS è un progetto di arte pubblica contemporanea diffuso in quattro continenti, con sedi a Londra, Berlino, New York Buenos Aires e Seoul. A trasformare il progetto in notizia virale è stato uno dei suoi aspetti più sorprendenti: i promotori e finanziatori sono infatti i BTS (“Bangtan Sonyeondan” let. “ragazzi antiproiettile”), boyband coreana che negli ultimi anni ha raggiunto un successo senza pari a livello globale: BTS sono infatti il primo gruppo dopo i Beatles a vantare tre album in un anno al primo posto nelle classifiche Billboard, e si sono recentemente esibiti al Dick Clark’s New Year’s Rockin’ Eve, l’iconico evento di capodanno a Times Square a New York.

CONNECT, BTS è un progetto che suggerisce l’importanza di collaborazione tra forme d’arte spesso considerate lontane, come la musica di una boyband e l’arte contemporanea. Ma CONNECT, BTS è anche un esempio della centralità che l’arte può continuare ancora ad avere nelle nostre vite. Il motto di Bighit (l’etichetta che gestisce i BTS) è MUSIC AND ART FOR HEALING, un messaggio con cui chiunque lavori nel mondo dell’arte e dei musei non può che trovarsi d’accordo.

Il progetto, come dichiarato sul sito web, sembra avere un obiettivo ambizioso:

“To redefine the relationships between art and music, the material and immaterial, artists and their audiences,
artists and artists, theory and practice. CONNECT, BTS may be described in terms of a collective curatorial
practice by curators around the world who resonated with BTS’ philosophy”
.

Come dichiarato a The Guardian da Daehyung Lee, il curatore che ha sviluppato il progetto, l’iniziativa è costruita intorno al concetto di solidarietà.

“We can connect with people at opposite ends of the world but we sometimes forget to communicate
with our own neighbours or relatives. We are losing solidarity, we have forgotten how to communicate
properly with each other”.

Parole più che mai significative nel contesto attuale.

Sempre sul sito web del progetto possiamo leggere:

“(…) alone with their devices, as if watching their lives from afar, filtered, objectively, people can feel
increasingly isolated, their confidence damaged. These effects are not always only personal;
they can radiate outwards, affecting communities and nations”.

La maggior parte di noi è stata probabilmente introdotta alla musica coreana da Gangam Style la hit virale di Psy di ormai quasi 10 anni fa. In realtà la Corea del Sud ha un’industria dell’intrattenimento popolare che da decenni regna incontrastata nel sud est asiatico, grazie alla produzione di film, telefilm (k-drama) e soprattutto musica: k-pop, o idol music. Grazie a una vivace scena indie locale, prestiti da rap e hip-hop e a un’industria culturale che negli anni ha sviluppato un sistema complesso ma molto efficace nel formare talenti, la musica coreana è riuscita a far crescere il proprio pubblico senza pausa a partire dagli anni novanta. Gli ultimi anni hanno inoltre visto una crescita esponenziale della Hallyu o Korean Wave, come viene chiamata la crescita di popolarità della Corea degli ultimi trent’anni. Si stima che ad oggi esistano più di 70 milioni di fan di Kpop e Kdrama nel mondo, e quattro dei gruppi KPOP più popolari (Big Bang, Super Junior, Girl’s Generation e Psy) hanno venduto complessivamente più di 230 milioni di dischi. Sempre più drama coreani vengono ripresi all’estero per farne remake, e la vittoria incontrastata di Parasite agli Oscar del 2020 dimostra quanto questa influenza sia ormai uscita dal livello regionale asiatico.

Un discorso a parte deve essere però fatto per i BTS. Nemmeno il capolavoro di Bong riesce infatti in termini di numero ad arrivare al successo della band, tanto che egli stesso dichiara in un’intervista “I BTS hanno 3000 volte la mia influenza”. I BTS da soli rappresentano infatti più di 4 miliardi e mezzo del PIL della corea del sud, e il loro account twitter genera 4 volte l’engagement di quello di Donald Trump.

Se infatti gli ultimi anni hanno visto una crescita del pubblico della musica coreana in tutto il mondo, i numeri dei BTS surclassano quelli di tutti i loro connazionali, e di molti artisti occidentali. Il loro ultimo album, che ha raccolto 4 milioni di prevendite, è stato il quarto fra i loro a raggiungere il primo posto nella Billboard Hot 200 (la classifica settimanale degli album più venduti negli Stati Uniti). Il loro è ben più di un momento virale, e il loro successo di vendite ci dimostra che ormai sono da considerarsi uno delle più grandi forze musicali a livello globale. Risultato ancora più significativo se ricordiamo che cantano in coreano, e non in inglese.

Il progetto, che nasce quindi anche come modo per connettere “di persona” le comunità – come quella dei fan dei BTS, sparpagliata per il mondo e che comunica solo online, lascia un’impressione ancora più forte nel momento attuale, in cui siamo stati tutti costretti a rinunciare a queste connessioni personali nel nome di un distanziamento fisico di natura sanitaria.

Riprendendo le parole del curatore del progetto, Daehyung Lee, l’obiettivo è “to connect individuals across the world as they re-evaluate their present circumstances, attitudes and potentialities.” E, ancora in un’intervista a The Guardian, Antony Gormley, autore di New York Clearing (installazione CONNECT, BTS a New York) definisce l’operazione “un atto di speranza”.

 

MA PERCHÈ UN GRUPPO PROVENIENTE DA UN PICCOLO – seppur innovativo- STATO DELL’ASIA HA DECISO DI INVESTIRE IN PROGETTI DI ARTE CONTEMPORANEA SPARSI PER IL MONDO?

In molti, sia in patria sia all’estero, hanno cercato di spiegare l’inaspettato successo della band: fra le ragioni c’è il ruolo attivo dei sette membri della band nella scrittura e produzione della musica, fenomeno relativamente raro all’interno dell’idol music coreana, o le loro performance dal vivo, accompagnate da complesse coreografie. Ma un altro elemento chiave del loro successo è sicuramente la capacità del gruppo di connettere, relazionarsi e raccogliere un gruppo di fan appassionati a livello globale (conosciuti come Army), che promuovono e supportano i loro idoli sui social spesso attraverso complesse campagne coordinate.

CONNECT, BTS nasce all’interno degli sforzi promozionali dell’ultimo album della band (Map Of The Soul:7). Insieme a video musicali e apparizioni televisive, la band ha infatti annunciato l’apertura delle varie sedi del progetto. L’idea è stata interpretata da subito come modo di introdurre nuove audiences all’arte contemporanea: la target audience dei BTS, che ci si può immaginare come prevalentemente giovane, non coincide esattamente con quello che ci si aspetta sia il pubblico dell’arte contemporanea.

Il progetto è sicuramente innovativo: per quanto collaborazioni tra musicisti e artisti non siano nuove, di solito sono limitate ad un singolo evento  artistico (per esempio la copertina dell’album o una clip dell’album come: dalla classica copertina dei Rolling Stones firmata da Andy Warhol al videoclip di Beyoncé e Jay Z girato al Louvre, e in patria i lavori di Marco Mengoni o il più recente esperimento di attualizzazione di gruppi scultorei nel video Rose Viola di Ghemon). Nel caso dei BTS invece il progetto lascia ampio spazio agli artisti coinvolti e pone il gruppo nel ruolo di mecenate e coordinatore: il tema ricorrente dei loro progetti è, quindi, una fonte di ispirazione per gli artisti, e il loro contributo dà più spazio e maggiore visibilità all’arte.

La decisione di includere l’arte nella promozione di un album deve quindi suscitare l’interesse di tutti. Bighit è stata recentemente nominata da Fast Company come la quarta compagnia più innovativa al mondo, sotto giganti come Microsoft e Tesla. Il cuore di questa innovazione è proprio l’utilizzo della tecnologia per connettere e mobilitare i fan, attraverso la creazione di app e altri strumenti ad hoc di coinvolgimento delle community.

E’ quindi promettente che l’arte e i musei siano stati scelti come canale in cui sperimentare queste innovazioni, soprattutto nella loro declinazione più classica – lo spazio fisico e lo spazio pubblico: per andare a compensare degli aspetti che attività social e prodotti digitali non riescono a ricreare.

Invece che essere un investimento laterale, o una forma di Corporate Social Responsibility, CONNECT, BTS può essere letto come parte integrante di una strategia globale, che suggerisce l’importanza di investire in arte e musei non solo per il loro valore simbolico, ma per la capacità unica che hanno di unire le persone.

In questo periodo, abbiamo visto sempre più sperimentazioni da parte di artisti per comunicare il proprio lavoro, e collaborazioni inaspettate fra generi e piattaforme: un ottimo esempio è la collaborazione fra FORTNITE e Travis Scott, in cui il rapper americano ha utilizzato il videogioco per promuovere il suo nuovo video musicale. Il videogioco diventa uno strumento per comunicare, e anche il solo successo numerico dell’operazione (46 milioni di visualizzazioni totali) dimostra l’importanza di intraprendere nuove strade.

Anche il mondo dei musei è stato costretto a riflettere, in questi ultimi mesi, su nuove strategie e opzioni per raggiungere le proprie audience, e noi di soluzionimuseali ims abbiamo indagato anche quale sia stata la risposta del pubblico.

Questi esempi di successo che arrivano dal mondo della musica ci dimostrano l’importanza del ruolo della tecnologia e della rete per per mettersi in contatto con le persone e far crescere l’interesse reciproco, connettendosi e promuovendo i propri messaggi. Ci ricordano però anche i loro limiti e come per essere efficace il loro utilizzo debba essere integrate con la possibilità di vivere queste esperienze di persona.

Il fundraising culturale

INNOVAZIONE E COMPETITIVITÀ PER LE REALTÀ CULTURALI

Il fatto che il settore culturale sia caratterizzato da una cronica mancanza di fondi non è una novità nel panorama italiano. Ma come può un museo affrontare e soddisfare la domanda culturale quando i fondi che ha a disposizione sono sempre più scarsi? Soprattutto come potranno fare raccolta fondi dopo questa chiusura forzata che ha interrotto i flussi di cassa dei musei e che ridurrà di molto gli introiti da bigliettazione? Molti musei puntavano sul fundraising, ma d’ora in poi quali saranno le prospettive della raccolta fondi museale? Un dato che risulta chiaro è che, molto più di prima si dovrà mirare al coinvolgimento di tutti i livelli della società: enti pubblici, associazioni, mondo corporate ma soprattutto soggetti privati, che dovranno essere coinvolti e responsabilizzati nel sostegno alla cultura e al patrimonio museale.

Resta fondamentale la figura del fundraiser, figura professionale trasversale con un forte background culturale con spiccate capacità relazionali. Dovendosi interfacciare con vari interlocutori è necessario che segua tutti i passaggi del progetto. Spesso il miglior fundraiser è il direttore del museo, che conosce approfonditamente il “prodotto” di cui è fortemente convinto e riguardo al quale può essere proficuamente convincente. Tuttavia, un bravo fundraiser deve possedere consapevolezza economica e conoscere il più possibile tutti i settori merceologici per identificare quali possano essere gli interessi dei suoi interlocutori. Questo è il motivo per cui alcuni musei si indirizzano a fundraiser specializzati che sappiano progettare una strategia a lungo termine che anticipi e accompagni la creazione di nuovi progetti.

Gli strumenti tradizionali a disposizione del fundraiser, sono diversi: il c.d. Artbonus, che introduce un’importante agevolazione fiscale a favore del mecenatismo culturale; le erogazioni liberali in denaro che possono costituire fiscalmente, a secondo della tipologia del soggetto erogatore, oneri deducibili dal reddito (imprese) o oneri detraibili dall’imposta sul reddito (persone fisiche e enti non commerciali); il rapporto con le fondazioni bancarie che, nel panorama italiano, sono il soggetto non-profit, privato e autonomo di maggior peso per quanto riguarda il sostegno all’arte e alla cultura.

Tra gli strumenti che massimizzano gli effetti del fundraising, un posto di merito spetta alle sponsorizzazioni e alle partnership.

Qui, un contratto bilaterale a prestazioni corrispettive obbliga lo Sponsor, cioè l’impresa, a una prestazione pecuniaria o ad assumere in proprio la realizzazione di lavori, servizi o forniture a favore dello sponsee e lo Sponsee, il soggetto (in questo caso i musei) beneficiario del supporto, a fornire prestazioni pubblicitarie.

Ciò che fa la differenza per l’affidamento del contratto di sponsorizzazione per musei di Enti Pubblici è la somma erogata. Infatti, sotto la soglia dei 40.000 € la Pubblica Amministrazione non deve far fronte a nessuna formalità per la scelta dello sponsor.

Questi soggetti possono optare per vari tipi di contratti di sponsorizzazione:

  • sponsorizzazione pura che vede lo sponsor come mero erogatore finanziario, mentre gli interventi sono portati avanti da altri soggetti;
  • sponsorizzazione tecnica che prevede che lo sponsor, a sue spese, si occupi direttamente della progettazione e realizzazione degli interventi richiesti, in forma di lavori, servizi o forniture;
  • sponsorizzazione mista, cioè una combinazione tra le precedenti in cui lo sponsor può, ad esempio, curare la sola progettazione ed erogare il finanziamento per le lavorazioni previste.

Attraverso le sponsorizzazioni e le partnership, i musei potranno coinvolgere e condividere know how con le realtà produttive del Paese consentirà anche di creare un territorio ibrido di confronto e di crescita.

In questo panorama dinamico e sempre aperto a nuove possibilità, i musei devono mostrarsi innovativi, aperti al dialogo, ma ancor più devono essere capaci di sfruttare il loro grande potenziale comunicativo per risultare più attrattivi. La creazione di contenuti è alla base dell’economia del XXI secolo. Il mondo della cultura può essere un ottimo alleato per le aziende italiane, anche in momenti di crisi e difficoltà, come quello che il Paese sta vivendo. Basti pensare alla moltitudine di iniziative online dei grandi e piccoli musei che potrebbero essere sponsorizzate da aziende private per sostenerne i costi e la produzione.

Il timore che i “benefattori”, soprattutto se investitori di ingenti somme, chiedano una un trattamento di favore all’interno della progettazione culturale è superato dalla fiducia che il pubblico ripone nella metodologia museale e sarebbe una mancanza di fiducia, quindi un fallimento, proporre un contenuto non coerente con la missione del museo.

In Italia, è stato stimato che il fundraising incide per l’11% sul bilancio delle Fondazioni culturali mentre solo per il 3% per i musei autonomi (14° rapporto Federculture).

Ancora minore è stato finora l’impatto del crowdfunding nei bilanci dei musei anche per l’impegno forse ancora più stringente che questa attività richiede. Infatti, se la raccolta fondi nei confronti del mondo corporate ha delle criticità, le campagne di crowdfunding richiedono conoscenza del proprio pubblico e del pubblico potenziale, la creazione di comunità, una buona dose di attivismo a livello on e off-line, l’ideazione di ricompense e, soprattutto, dopo la fidelizzazione dei partecipanti. Tuttavia, sempre di più la responsabilità dei singoli dovrà essere chiamata in causa per il mantenimento del nostro patrimonio culturale e sempre di più i musei e i consulenti museali saranno chiamati a seguire “pensieri laterali”, fuori dall’ordinario per trovare soluzioni alla cronica mancanza di finanziamenti ai musei.

E VOI? COME VI COMPORTATE NEI CONFRONTI DEL FUND-RAISING? QUAL È IL VOSTRO ATTEGGIAMENTO?

Noi siamo pronti a darvi una mano e nei prossimi articoli approfondiremo l’utilizzo dei vari strumenti.

 

Articolo scritto in collaborazione con Alice Celeste

Transmedia Storytelling per musei

Nelle settimane precedenti abbiamo deciso di offrire qualche consiglio per migliorare la comunicazione online dei musei in questo periodo difficile.

Questa settimana, anche su vostra richiesta, abbiamo deciso di approfondire un tema più specifico dei precedenti: il Transmedia Storytelling.

MA CHE COS’È IL TRANSMEDIA STORYTELLING E PERCHÉ È UTILE PER LE ISTITUZIONI CULTURALI?

Quello di transmedia storytelling è infatti un termine che compare spesso quando si parla di comunicazione digitale. Una tecnica affascinante usata con successo dal mondo dell’intrattenimento e del marketing, ha inoltre il potenziale di adattarsi facilmente a diversi contesti culturali come quello museale.

Ma prima di parlare del suo ruolo nei musei ci sembra importante iniziare con un po’ di teoria, per chi non fosse ancora familiare con il termine.

Con transmedia storytelling si definisce un processo creativo con cui vengono create esperienze di intrattenimento coordinate, in cui elementi integrali della storia sono distribuiti su più media e piattaforme contemporaneamente. Il termine è di Henry Jenkins, che trova una prima applicazione di questa tecnica nella trilogia di Matrix: la saga futuristica infatti inizia con i film ma si dirama in videogiochi e complesse “cacce all’uovo” online. Nelle sue parole è “una nuova estetica, che nasce a seguito della convergenza dei media”.

Il transmedia storytelling emerge quindi in un momento in cui la comparsa di nuove tecnologie e la crescita esponenziale della rete permettono di creare esperienze di intrattenimento sempre più immersive, e di arrivare ad un maggiore coinvolgimento del pubblico, soprattutto grazie alla creazione di comunità online.

In pratica fare del transmedia storytelling significa raccontare una storia attraverso più canali contemporaneamente: ma non si tratta di una semplice riadattamento della stessa trama su media diversi. Il transmedia storytelling è piuttosto un puzzle complesso fatto di intrecci e rimandi, che il pubblico deve sforzarsi di cercare e mettere insieme. A caratterizzare Matrix è per esempio il fatto che intere trame ed elementi chiave della storia non sono contenuti nei film, ma dispersi invece su altri media e piattaforme.

Se Matrix ha anticipato i tempi, il transmedia storytelling è stato poi usato nel mondo dell’intrattenimento per costruire franchising di successo con cui siamo tutti familiari (“Harry Potter” o il “Marvel Universe” sono un esempio: le storie nascono da libri e fumetti, ma si sviluppano in film, telefilm, spettacoli teatrali, ma soprattutto merchandising, videogiochi e parchi divertimento). Ma il transmedia storytelling è stato scelto anche da diversi brand per le proprie campagne pubblicitarie, o per la costruzione stessa del brand: un caso di successo è quello della Lego.

Cosa distingue il transmedia storytelling da altre forme di narrazione multimediali? Ci sono tre elementi chiavi che definiscono un’esperienza di transmedia storytelling:

UNIVERSI, NON STORIE

Le esperienze di transmedia storytelling si basano sulla creazione di interi universi, non storie: se cuore del transmedia storytelling rimangono storie coinvolgenti, queste devono avere il potenziale di diramarsi aldilà di un semplice film o racconto. Esperienze di successo si basano quindi sulla creazione di interi universi o “worldbuilding”. Se un personaggio contiene molteplici storie, un intero mondo contiene molteplici personaggi. Più costruisci, più ampli le tue possibilità.

COLLABORAZIONE CREATIVA

Se un aspetto chiave è mantenere una narrativa centrale coerente e coesa, allo stesso tempo un’esperienza di transmedia storytelling funziona quando viene lasciato controllo ai creativi che sviluppano i vari elementi della storia. Ovviamente una singola persona non può avere le competenze per creare ogni elemento dell’esperienza. Questo significa lavorare in un ambiente in cui il ruolo di autore è condiviso e la paternità è collaborativa: il che non vuole dire semplicemente “cedere il lavoro a qualcun altro”, ma sviluppare delle modalità di coinvolgimento in cui ciascun autore possa far emergere la propria voce e le proprie idee in libertà. Se la direzione centrale deve assicurare coerenza e la ripetizione di elementi familiari, i singoli creativi a cui vengono affidate le parti non devono essere considerati come semplici esecutori, ma come autori veri e propri. E’ così possibile sviluppare un ambiente multiculturale e collaborativo in cui il pubblico stesso potrà sentirsi coinvolto. Come vedremo, uno degli aspetti chiave delle esperienze di transmedia storytelling è quello sociale, e questo elemento deve essere presente anche nelle prime fasi creative. Questo permette inoltre che si verifichi un altro aspetto essenziale per un transmedia storytelling di successo: ogni singola parte deve essere trattata come se fosse l’elemento centrale dell’esperienza, e non un semplice corollario. Teoricamente, in una esperienza di transmedia storytelling ogni parte deve essere in grado di sostenersi da sola, ed essere un punto di ingresso nella storia.

TROVARE VALORE NELLA RICERCA DI SIGNIFICATO

Le esperienze di transmedia storytelling di successo non si limitano nel creare storie avvincenti. Le connessioni fra i vari pezzi sono spesso non esplicitate, o non immediatamente chiare: parte dell’intrattenimento per il pubblico sta nella ricerca e nel lavoro investigativo. Il pubblico deve fare uno sforzo: ed è possibile che non tutti vengano a conoscere la storia completa. Questo significa anche che nessuna esperienza di transmedia storytelling può funzionare senza una comunità di persone coinvolte, appassionate e attive. Non devono essere la totalità del pubblico, e in un certo senso possono essere considerate come parte del gruppo creativo. Saranno poi loro a coinvolgere il pubblico più ampio, che può avvicinarsi così a diversi livelli della storia. Quello che il transmedia storytelling insegna è l’importanza di riconoscere l’engagement del pubblico e la sua lealtà come elementi chiavi per costruire un’esperienza.

in breve, con transmedia storytelling si definiscono esperienze di intrattenimento complesse e coordinate, in cui elementi integrali della storia sono distribuiti su più media e piattaforme contemporaneamente, e che portano alla creazione di universi narrativi che contengono molteplici storie e personaggi.

E’ chiaro perché queste caratteristiche del transmedia storytelling lo rendono uno strumento importante nel mondo dell’intrattenimento: esplorare un numero potenzialmente infinito di storie attraverso diversi strumenti ti porta ad avvicinare un pubblico ampio e diversificato, oltre che a darti la possibilità di reinventare e sviluppare i tuoi contenuti senza dover partire ogni volta da zero.

Queste tecniche possono essere utilizzare nel mondo dei Musei e diventare un elemento chiave in diversi contesti. Uno dei vantaggi del transmedia storytelling è la sua adattabilità: non esiste una ricetta perfetta, e le sue tecniche possono essere usate come spunto per sviluppare strategie comunicative, o per creare un’esibizione che non sia limitata allo spazio fisico.

ALCUNI CONSIGLI UTILI SU COME SVILUPPARE UNA ESPERIENZA DI TRANSMEDIA STORYTELLING PER I MUSEI
  • Scegli la o le storie da raccontare. I musei partono avvantaggiati: hanno molte storie da raccontare e i loro spazi e contenuti hanno già fascino e potenziale immersivo. Decidi cosa raccontare e a chi secondo le indicazioni che abbiamo fornito negli articoli precedenti.
  • Scegli i media adatti. Gli esempi a cui si pensa più spesso sono film e videogiochi ma un’esperienza di transmedia storytelling può comprendere anche libri, musica, sceneggiature teatrali… Ogni piattaforma ha i suoi obiettivi, uso e audience specifica. Ognuna offre un potenziale punto di ingresso nella storia, e può offrire diverse esperienze.
  • Assegna compiti specifici a persone diverse. Il cuore di tutto è la storia: serve per sviluppare empatia, per intrattenere, per coinvolgere. Ci sono professionisti dello storytelling: registi, attori, scrittori. Chiedere il loro contributo può rivelarsi essenziale.
  • Conosci il tuo pubblico. E’ sempre una questione di comunicazione, alla fin fine! Adatta il linguaggio e il tono di voce al mezzo che usi e a chi vuoi raggiungere.
  • Ricordati di essere social. I social media si prestano molto facilmente a realizzare esperienze di transmedia storytelling e permettono un dialogo diretto con il tuo pubblico. Ovviamente anche in questo caso è importante sviluppare strategie specifiche in base alle caratteristiche di ciascuna piattaforma.
  • Costruisci a più livelli. Il pubblico deve avere la possibilità di investigare e interagire. Ma questa deve essere un’opzione: il tuo contenuto deve riuscire a rivolgersi anche a chi preferisce una lettura più passiva. Un’esperienza di transmedia storytelling non si deve sviluppare solo in maniera orizzontale, su varie piattaforme, ma anche in verticale, con più livelli in ogni singolo elemento.
  • Definisci il tuo obiettivo. Il transmedia storytelling può essere utilizzato come strumento per portare pubblico nel tuo museo o promuovere una mostra, oppure l’obiettivo primario può essere quello di educare ed informare sul patrimonio del tuo museo. O ancora: il transmedia storytelling può poi essere utilizzato per creare e definire il brand del tuo museo. Avere un obiettivo chiaro, facilita il racconto e la sua organizzazione.
  • Ricordati di essere riconoscibile. Come già detto, è importante dare spazio alla creatività di tutti coloro che collaborano. Ma la tua esperienza deve avere una forte riconoscibilità: dai a ciascun elemento un carattere specifico, ma mantieni coerenza di immagine e contenuti.
  • Non dimenticarti di quello che hai già. Il transmedia storytelling nasce in un mondo che oramai si è ampiamente “virtualizzato”, ma il fatto che le grandi case cinematografiche stiano sempre di più spingendo sulla creazioni di parchi divertimento ed esperienze immersive da vivere di persona ci ricorda come le esperienze più potenti siano spesso proprio quelle che possiamo “toccare con mano”. I musei sono facilitati: ricordati che il tuo museo deve essere una parte integrale dell’esperienza, i suoi spazi possono essere proprio il tuo punto di partenza.
PER RIASSUMERE

Il transmedia storytelling è uno strumento efficace per ampliare il tuo pubblico, aiuta a espandere l’universo narrativo già esistente della tua istituzione e l’esperienza che offri al tuo audience.

 

USATE QUESTO TIPO DI NARRAZIONE?

SE SÌ, COME?

Fatecelo sapere con un commento o un messaggio!

Digital Storytelling per musei: gli obiettivi di una buona comunicazione

La scorsa settimana abbiamo proposto 5 suggerimenti per migliorare la comunicazione online delle istituzioni culturali e affrontare al meglio la difficile situazione odierna.

Molti di voi hanno trovato i nostri consigli utili e per questo abbiamo pensato di andare avanti con queste piccole guide e approfondire un tema fondamentale: gli obiettivi della comunicazione.

Qualsiasi iniziativa, piccola o grande che sia, non può partire se non si hanno ben chiari gli obiettivi. Sapere chi siamo e dove andiamo ci permette di comunicarlo efficacemente anche agli altri.

ECCO GLI OBIETTIVI CHE UNA BUONA COMUNICAZIONE MUSEALE DEVE COLPIRE:
  • Visibilità: darsi una “veste” grafica e visuale che spicchi sul “rumore” di fondo.
  • Riconoscibilità: parlare con un “tono” personale. Nel mare della comunicazione social, la vostra voce si riconosce?.
  • Autenticità dei vostri messaggi: più siete “autentici” in ciò che dite, più riuscirete a farvi riconoscere e ad ottenere autorevolezza.
  • Accessibilità sia nella chiarezza dei messaggi: una comunicazione semplice e diretta è sempre la più efficace; sia nella raggiungibilità : rispondere ai commenti, essere vicini al vostro pubblico.
  • Attrattività: cercare nel messaggio testuale e visuale qualcosa di particolare, unico, che avete solo voi; qualcosa che possa stimolare non solo la risposta ma anche la voglia di venire a visitare il vostro museo o di continuare a seguirvi.
  • Coerenza: sempre, alla base di tutto deve emergere la coerenza fra chi siete e cosa/come comunicate. La missione del vostro museo e la visione che avete deve essere alla base delle vostre strategie di comunicazione.

Per raggiungere questi obiettivi dovete sempre tenere in considerazione la missione del vostro museo, la sua visione e la sua offerta culturale. Queste sono anche le basi da cui può prendere forma il brand dell’istituzione, all’interno del quale è racchiuso il vostro universo narrativo ed esperienziale.

Il fine ultimo della comunicazione online non è costruire un monologo, una voce nel vuoto ma un dialogo con qualcuno. Ecco perché anche nello sviluppo degli obiettivi è bene avere in mente a chi vi volete rivolgere e modificare il vostro tono di voce di conseguenza.

E come la volta scorsa, vi chiediamo di prendere un foglio e rispondere ad alcune domande:

E COME LA VOLTA SCORSA, VI CHIEDIAMO DI PRENDERE UN FOGLIO E RISPONDERE AD ALCUNE DOMANDE:
  • Chi sei?
  • Cosa vuoi dire?
  • A che tipo di persone vuoi parlare?
  • Con che tono?
  • Con quale immagine?
  • Per quale scopo?
  • Riesco a creare una storia con tutti i messaggi che comunico oppure i miei messaggi sono una storia in sé?
  • Voglio raggiungere degli obiettivi quantitativi?

Ricordate anche che oltre agli utenti, la vostra comunicazione può stringere relazioni con lo spazio che vi circonda: stakeholder, testimonial, reti di cui fate parte o in cui volete entrare. L’uso di hashtag e tag deve essere calibrato per la risonanza che volete dare ai vostri messaggi.

PER RIASSUMERE

Ciò che siete e a chi comunicate sono gli ingredienti principali per porvi degli obiettivi chiari
ed essere in grado di valutarne il successo o le criticità.

 

Seguiteci e fateci sapere se vi siamo stati utili con un messaggio o un commento!

LA PROSSIMA VOLTA UN PO’ DI

Digital Storytelling per musei

5 CONSIGLI PER MIGLIORARE LA TUA COMUNICAZIONE ONLINE

La situazione d’emergenza in cui ci troviamo e la conseguente chiusura delle istituzioni culturali ha forzato lo spostamento sulle piattaforme digitali, dando vita a diverse iniziative online.
Non tutti i musei erano preparati a questo ma tutti si sono adattati utilizzando strategie creative di comunicazione, attivandosi in un approccio che doveva essere adottato da tempo dalle istituzioni culturali italiane ma che invece era stato spesso posto in secondo piano.
Ora, vogliamo contribuire ad affrontare le criticità insieme; per questo vogliamo offrire 5 consigli per comunicare al meglio i vostri contenuti sui social. In particolare, ci rivolgiamo alle piccole e medie istituzioni culturali che non hanno troppe risorse da dedicare alla comunicazione sui social media.

Sfruttiamo questo tempo per imparare a sperimentare e utilizzare strumenti sempre più indispensabili nel futuro.

DARSI UN OBIETTIVO

Non puntare al successo immediato, ma al raggiungimento di un obiettivo specifico.
Per esempio: far cliccare ai visitatori un determinato link o far iscrivere il pubblico alla newsletter; raggiungere un buon livello di engagement o attirare un particolare target di utenti che altrimenti non verrebbero al museo.
É fondamentale avere una missione e una strategia chiara.

CREA UNA GUIDA DI STILE

Crea un documento dove raccogliere tutte le informazioni essenziali per la tua comunicazione in modo tale da mantenere uno stile unico e riconoscibile: è importante che ci sia una forte coerenza fra chi sei e come/cosa comunichi.
Determina il tono di voce della tua istituzione in modo che sia adeguato alle circostanze dei tuoi messaggi e che quindi riesca a interessare il target a cui si riferisce (in un prossimo articolo parleremo di Brand e di voce e torneremo su questo aspetto del tono. Per ora fermiamoci al fatto che il tono di voce è il modo di parlare della tua istituzione, denota la personalità del tuo museo. Non riguarda quello che dici ma come lo dici.

Dove iniziare?

  • Fai un elenco di almeno 10 parole che ti descrivono perfettamente e 10 parole da evitare;
  • Identifica almeno 2-3 valori dell’istituzione che devono sempre trasparire dai tuoi contenuti
IL SISTEMA VISIVO

Quando apriamo un Social Media la prima cosa che ci viene messa in evidenza è l’immagine. È importante quindi non sottovalutare la loro efficacia in un post. Molti studi infatti affermano che il cervello umano ricorda più facilmente ciò che vede. Un immagine comunica alle persone grazie ai colori, all’atmosfera, alle emozioni evocate e ai font utilizzati.
Per rendere un’immagine accattivante sui social bisogna seguire alcune regole:

  • La qualità dell’immagine: scegliere foto nitide in modo che il soggetto sia ben definito. Evitare foto fuori fuoco o di bassa risoluzione che risultano sgranate;
  • Le dimensioni: ogni social ha dimensioni e standard differenti. Quindi è importante tenere in considerazione i social di destinazione e scegliere un’immagine che possa facilmente essere declinata in diverse dimensioni;
  • I colori: per renderti riconoscibile suoi social è possibile sfruttare la combinazione di colore legata al museo e all’immagine coordinata. In questo modo le immagini saranno più coerenti e in linea con la tua identità;
  • Le Font: per scegliere le font giuste bisogna tener conto della sua leggibilità, in modo che si differenzi dal resto, della coerenza con l’immagine coordinata, delle dimensioni nello spazio e del colore che deve creare un contrasto con lo sfondo. Un consiglio generale è quello di non usare troppi font differenti, massimo due, e di preferire le font sans-serif che aiuta la leggibilità sui dispositivi;
  • La composizione e la regola dei terzi: un’immagine deve essere equilibrata nella composizione e per questo motivo è utile sfruttare la regola dei terzi. Per applicarla è necessario dividere l’immagine in terzi sia con linee verticali che con linee orizzontali e bisogna assicurarsi che il soggetto sia posizionato in uno dei punti di intersezione delle linee.

Un ultimo consiglio è quello di testare l’immagine su diversi dispositivi prima di pubblicarla. Questo perché spesso capita di realizzare l’immagine sul computer e sembra avere un buon impatto, ma non sempre quando la vediamo su un dispositivo mobile risulta accattivante.

CONTENUTI NARRATIVI

La forza del digitale si trova nella costruzione di un rapporto empatico. Creare un legame tra i contenuti e il pubblico vuol dire raccontare storie nel quale il pubblico si può immedesimare. Un racconto in grado di toccare da vicino il lettore crea e sedimenta un rapporto duraturo.

Ok, ma in pratica cosa posso fare?

  • Abbandona l’autoreferenzialità;
  • Trova temi, sentimenti, storie universali o estremamente uniche per coinvolgere il lettore e sviluppa nei contenuti la capacità di evocare: il tuo contenuto deve diventare un piccolo momento di piacere per le persone che ci leggono;
  • Non aver paura di uscire dalla comunicazione istituzionale. Perfetta per il sito web, meno per la comunicazione sui social media. Racconta i retroscena, i processi lavorativi, un’esperienza;
  • Non trascurare l’editing del testo. Va bene non comunicare rigidamente ma attenzione agli spazi, alla punteggiatura, ai paragrafi. Se vuoi mantenere l’attenzione del pubblico tutto ciò che scrivi deve essere perfettamente leggibile, chiaro e conciso;
  • Quality over quantity: l’algoritmo premia contenuti “eterni”. Meglio postare un solo contenuto interessante che 10 poco curati e ripetitivi.
FARE RETE

L’istituzione deve sempre interfacciarsi con i suoi stakeholders sia offline sia online. Quindi perché non coinvolgerli anche digitalmente? Un museo della stessa città o provincia, una scuola con i suoi studenti, personalità di spicco del settore. Contattate, taggate, coinvolgete, co-create.
Questo non solo potrà aumentare l’engagement dei vostri contenuti ma soprattutto, con il tempo, creerà una comunità forte e ben definita dentro e fuori la rete.

TROVA LA TUA STRADA

Non esistono regole rigide da seguire per comunicare, ogni istituzione culturale è unica e per questo è importante costruire una strategia su misura.
In ogni caso si può riassumere che si comunica bene se:

  • si amplia il proprio pubblico;
  • si trasmette consapevolezza;
  • si condivide conoscenza;
  • si raccolgono reazioni;
  • si diffondono informazioni;
  • si creano sinergie;
  • si incrementa la propria reputazione

Non importa da dove parti e quali sono i tuoi limiti, l’importante è iniziare!

 

 

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IL MUSEO BAGATTI-VALSECCHI OSPITA LA MOSTRA DI ORHAN PAMUK

Ventinove misteriose teche provenienti da Istanbul. Una drammatica storia d’amore. Una stupenda ispirazione.
Non stiamo parlando di una nuova serie targata Netflix, ma dell’esposizione in mostra al Museo Bagatti-Valsecchi di Milano: “Amore, Musei e Ispirazione”, che trasporta il Museo dell’Innocenza del premio Nobel Orhan Pamuk da un distretto di antiquariato stambuliota al lussureggiante quartiere meneghino di Via Montenapoleone.
La storia che racconta il Museo dell’Innocenza, vincitore dell’EMYA 2014, non descrive grandi personalità artistiche o importanti vicende storiche, bensì narra la tormentata vicenda d’amore tra Kemal Basmaci, alterego di Pamuk, e la sua amante Füsun.

Come convergere sentimenti, sensazioni e ricordi di un vissuto intimo e personale in una trasposizione fisica e concreta? La soluzione adottata da Pamuk è stata quella di raccogliere oggetti di ogni tipo facendoli diventare parte integrante del racconto.
L’esperimento dà vita a una collezione evocativa e inusuale, che non solo si intreccia con la trama del romanzo ma diventa un modo per esprimere una nuova concezione di museo, il quale, secondo l’autore, dovrebbe essere “un luogo in cui il tempo si trasforma in spazio” per avvicinarsi all’umanità degli individui.

La scelta di ospitare la mostra al Bagatti Valsecchi, museo citato anche nel libro, non è un caso ma rientra nella la filosofia racchiusa nel “Modesto manifesto per i musei” di Pamuk, presentato nell’ultima sala della mostra.
Pamuk si fa portatore di un ideale che vede le enormi potenzialità dei piccoli musei, intesi come rappresentazione profonda della quotidianità e dei sentimenti dei singoli individui attraverso il racconto di storie modeste e intime.

Fino al 24 Giugno 2018 quindi si avrà la possibilità di lasciarsi trascinare nella storia d’amore tra Kemal e Fusun, attraverso un percorso, ideato in collaborazione con gli studenti dell’Accademia di Belle Arti di Brera, che presenta soluzioni interattive e un’audio-guida personalizzata per la mostra scaricabile gratuitamente dal telefono.

 

Inaugurazione Villa Bernasconi

Domenica 26 Novembre a Cernobbio aprirà al pubblico  Villa Bernasconi: un nuovo e originale museo sul lago di Como con cui soluzionimuseali-ims ha avuto modo di collaborare. In questo nuovo approccio museale è la villa stessa a raccontarsi e a condurre i visitatori in un itinerario alla scoperta della sua storia e della storia delle persone che l’hanno vissuta, a partire dal 1906 – anno della costruzione – ad oggi. Il flusso narrativo sviluppa il dialogo con i visitatori anche grazie il supporto di soluzioni tecnologiche e di design.

 

Non si tratta, dunque, di un museo nel senso tradizionale del termine, bensì di un’esperienza fatta di suggestioni e connessioni guidate dalle #vocidivilla: un percorso innovativo e interattivo tra contenuti multimediali, oggetti e documenti storici in prestito da collezioni museali e private, ma anche attraverso esperienze multisensoriali.

soluzionimuseali-ims ha affiancato gli organizzatori nella realizzazione del concept museologico e ha iniziato un percorso di brand development, che attraverso focus-group specifici, porterà il museo sviluppare attività di civic engagement rivolte al territorio di riferimento.

Vi aspettiamo numerosi e nel frattempo ecco qualche informazione in più in esclusiva:

CORSI

CORSI DI AGGIORNAMENTO STANDARD MUSEALI

livelli di qualità per il riconoscimento regionale

soluzionimuseali-ims organizza corsi di aggiornamento e di formazione sugli ambiti del Decreto Ministeriale 113 del 21 Febbraio 2018 (Adozione dei livelli minimi uniformi di qualità per i musei e i luoghi della cultura di appartenenza pubblica e attivazione del Sistema Museale Nazionale ) per il riconoscimento a livello regionale e nazionale.


MUSEUM BRANDING

Il Brand come strumento di veicolazione della propria identità e della propria offerta culturale. Tutto il mondo valoriale del museo per comunicare una specifica esperienza.


VISUAL COMMUNICATION STRATEGY

Per imparare a comunicare nell’era del visuale, corsi, ideati da Fulvio Ronchi e M. Cristina Vannini, per coprire tutto il processo creativo e realizzativo, basandosi sulla coerenza con i vostri messaggi comunicativi e con i linguaggi dei media più adeguati, da organizzare con il vostro staff.

Contattaci per avere informazioni sul programma e sui costi

La nostra mostra online per un archivio di archivi di architetti: il CASVA di Milano

http://www.milanocittàimmaginata.it/video

Dal 16 Ottobre per 6 mesi, sarà on-line la mostra: Milanocittàimmaginata.it – 10 progetti dagli archivi CASVA. Il CASVA, Centro di Alti Studi sulle Arti Visive, accoglie una ricchissima collezione di documenti appartenenti alla cultura della progettazione, del design e della grafica provenienti dagli archivi di architetti e designer milanesi. E’ un piccolo tesoro milanese, poco conosciuto, ma che racchiude grandi tesori per ricostruire la storia della progettazione milanese.

Il progetto della mostra on-line, di cui soluzionimuseali-ims è coproduttore insieme al CASVA, vuole portare a conoscenza di un ampio pubblico l’esistenza del CASVA e dei suoi archivi, e dimostrare che i documenti d’archivio relativi a progetti urbanistici ed architettonici possono raccontare storie interessanti anche ad un pubblico non specialistico.

Il percorso museologico – lo sviluppo narrativo della mostra online – permette l’esplorazione personalizzata dei contenuti da più punti di approccio e un approfondimento multilivello in un ambiente, e con un linguaggio, fresco, veloce e piacevole.

Il processo di visita è pensato per attirare il “visitatore potenziale” fin dalla visione dei manifesti della mostra affissi per la città, fornendogli l’accesso attraverso QRCode e video animato.