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DISABILITÀ, ACCESSIBILITÀ, INTEGRAZIONE: COME IL MUSEO EVOLVE PER DIVENTARE UN LUOGO APERTO A TUTTI

Ricordiamo che lo scorso mese è di particolare rilevanza, perché luglio è riconosciuto in America come il Disability Pride Month, poiché coincide con l’anniversario della firma dell’Americans with Disabilities Act del 1990, il testo di legge che tutela questa categoria contro la discriminazione in tutte le aree della vita pubblica, dal lavoro, la scuola, i trasporti fino a tutti gli spazi pubblici e privati aperti al pubblico. L’obiettivo della legge è quello di assicurare alle persone con disabilità gli stessi diritti e opportunità di tutti gli altri cittadini.

Ma facciamo prima un passo indietro.

COSA CI VIENE IN MENTE QUANDO PARLIAMO DI DISABILITÀ?

Ciò che potrebbe più facilmente venirci in mente è forse la sedia a rotelle, simbolo internazionale dell’accessibilità, che incontriamo spesso nella nostra vita quotidiana, dai parcheggi riservati ai bagni pubblici.
Soffermandoci a riflettere ci accorgiamo però che la disabilità comprende molto più di questo: essa non è solamente fisica e motoria, ma comprende anche problematiche cognitive, del comportamento, nella comunicazione o nell’interazione sociale ed economica.
Questo ci fa capire quanto poco sia diffusa la sensibilità su questo tema che è poco discusso dalla società, benché la disabilità sia parte integrante della vita e dell’esperienza umana da sempre.

Lo dimostra anche un interessante studio archeologico, da poco pubblicato da Debby Sneed, docente alla California State University di Long Beach, in cui si sostiene che gli edifici greci – e in particolare quelli dedicati al culto, alla cura e alla guarigione della persona – fossero dotati di rampe di pietra nei punti di accesso, probabilmente per favorire l’ingresso di anziani e di persone con disabilità, che altrimenti avrebbero avuto difficoltà a salire i gradini.
Ciò prova che già più di 2300 anni fa la società greca adattava l’architettura delle proprie città per favorire le persone disabili.

MA QUAL È OGGI LA SITUAZIONE NELLE NOSTRE SOCIETÀ E IN PARTICOLARE NEI MUSEI?

Negli ultimi decenni i musei hanno molto dibattuto, oltre che sperimentato pratiche e strumenti, con l’obiettivo di includere prospettive ed esperienze di vita che erano state precedentemente escluse dagli spazi museali, come la disabilità.
I musei hanno la capacità di plasmare il modo in cui osserviamo e viviamo il mondo e, di conseguenza, hanno anche il potenziale inespresso di reimpostare il modo in cui le persone vedono e interpretano la disabilità.
Nonostante ciò, il cammino è ancora in salita, infatti ci si è spesso limitati a colmare il gap esistente con interventi temporanei che non toccano l’anima del museo.
Prima ancora degli interventi architettonici e della rimozione delle barriere fisiche, il primo passo per creare accessibilità in un museo è cambiare approccio e attitudine nei confronti della disabilità. Troppo spesso – sono le stesse persone con disabilità a confermarlo – sono gli atteggiamenti negativi delle persone, come la discriminazione e l’esclusione, a rappresentare la prima vera importante barriera che essi incontrano nella società.
L’obiettivo per il museo deve quindi essere quello di uguaglianza di partecipazione per tutti i visitatori, contribuendo attivamente alla trasformazione culturale dell’interpretazione della disabilità, creando programmi e risorse che supportino i differenti obiettivi e modalità di apprendimento dei visitatori.

L’Italia in questo senso è stata capofila per la promozione dell’accessibilità e dell’inclusività della disabilità nei musei. Alcuni ottimi esempi sono forniti dal Museo Tattile Statale Omero di Ancona, la cui collezione è fruibile tattilmente per promuovere l’integrazione culturale dei minorati della vista, e dal Museo Tolomeo di Bologna, in cui viene raccontato tramite installazioni interattive l’Istituto dei Ciechi “Francesco Cavazza”.

MA NON SOLO:

• nel luglio 2018 sono state pubblicate dal Ministero per i beni e le attività culturali e per il turismo le Linee guida per la redazione del Piano di eliminazione delle barriere architettoniche (P.E.B.A) nei musei, complessi museali, aree e parchi archeologici, che include un allegato dedicato alla fruizione e all’accessibilità dei luoghi culturali;
• nel settembre 2019 durante la Conferenza Generale di ICOM svoltasi a Kyoto, l’Italia ha proposto l’istituzione di una Commissione Internazionale per l’accessibilità, l’inclusione e l’usabilità museale, già presente in Italia ma non a livello mondiale;

• sono attivi tanti diversi programmi e iniziative volte all’integrazione della disabilità nei musei e nei luoghi di cultura, come A.D. Arte, un sistema informativo per la fruizione dei beni culturali da parte di persone con esigenze specifiche.

Ma quindi, per chi volesse approcciarsi al superamento delle barriere e a ragionare in termini di accessibilità, di cosa si tratta?

Essa si può dividere, semplificando, in due macroaree:

• accessibilità fisica, che riguarda la mobilità del visitatore (gli ostacoli fisici limitano e impediscono l’uso sicuro e confortevole degli spazi e dei dispositivi museali);
• accessibilità percettiva, che riguarda i contenuti e il riconoscimento di segni nello spazio (fisico o virtuale).

L’accessibilità non si riduce però solamente agli spazi fisici del museo, bensì sono da tener presente altri due fattori:

• la raggiungibilità o accessibilità esterna, che riguarda la riconoscibilità, la corretta identificazione e il corretto utilizzo dello spazio culturale, al di fuori di esso. In questo caso, si tratta anche della segnaletica (la sua mancanza impedisce al visitatore di orientarsi, di riconoscere gli spazi, di comprendere i contenuti e di partecipare alle attività);
• l’accessibilità economica, che riguarda la possibilità di tutti di godere di un diritto fondamentale.
  Entrambi questi fattori sono parti integranti e fondamentali del visitors’ journey.

Nonostante la presenza di ottimi segnali e di continui miglioramenti, c’è ancora molto da fare.
Ciò che è certo è che è necessario partire dalle nostre emozioni, sensazioni e comportamenti come strumenti di relazione e comprensione, per costruire un linguaggio comune ed esplorare da diversi punti di vista la relazione tra persona, oggetto e spazio museale.
Prima cambierà la nostra attitudine in merito alla disabilità, più i musei diverranno dei luoghi aperti davvero a tutti.

L’articolo di oggi parla di come una band coreana di successo ha saputo coniugare musica, arte e solidarietà sviluppando una best practice di audience development: analizziamo insieme il caso CONNECT, BTS.

Sembra strano in un momento in cui tutti stiamo lentamente cominciando a riprendere una vita normale voler parlare di un progetto che, per quanto risalga a solo qualche mese fa, sembra appartenere a un mondo completamente diverso, per la maggior parte di noi ancora inaccessibile, in cui frequentare spazi pubblici e musei faceva ancora parte della nostra routine.

Ma proprio per quello che ci ha insegnato l’esperienza di isolamento, che ha posto limiti alla nostra capacità di connettersi e comunicare, ci sembra importante parlare di esperienze innovative e proiettate verso un futuro in cui tutte le potenzialità del passato – l’immagine di un mondo senza confini e sempre più connesso – possano tornare ad essere rilevanti.

Lanciato a febbraio del 2020, CONNECT, BTS è un progetto di arte pubblica contemporanea diffuso in quattro continenti, con sedi a Londra, Berlino, New York Buenos Aires e Seoul. A trasformare il progetto in notizia virale è stato uno dei suoi aspetti più sorprendenti: i promotori e finanziatori sono infatti i BTS (“Bangtan Sonyeondan” let. “ragazzi antiproiettile”), boyband coreana che negli ultimi anni ha raggiunto un successo senza pari a livello globale: BTS sono infatti il primo gruppo dopo i Beatles a vantare tre album in un anno al primo posto nelle classifiche Billboard, e si sono recentemente esibiti al Dick Clark’s New Year’s Rockin’ Eve, l’iconico evento di capodanno a Times Square a New York.

CONNECT, BTS è un progetto che suggerisce l’importanza di collaborazione tra forme d’arte spesso considerate lontane, come la musica di una boyband e l’arte contemporanea. Ma CONNECT, BTS è anche un esempio della centralità che l’arte può continuare ancora ad avere nelle nostre vite. Il motto di Bighit (l’etichetta che gestisce i BTS) è MUSIC AND ART FOR HEALING, un messaggio con cui chiunque lavori nel mondo dell’arte e dei musei non può che trovarsi d’accordo.

Il progetto, che nasce quindi anche come modo per connettere “di persona” le comunità – come quella dei fan dei BTS, sparpagliata per il mondo e che comunica solo online, lascia un’impressione ancora più forte nel momento attuale, in cui siamo stati tutti costretti a rinunciare a queste connessioni personali nel nome di un distanziamento fisico di natura sanitaria.

Riprendendo le parole del curatore del progetto, Daehyung Lee, l’obiettivo è “to connect individuals across the world as they re-evaluate their present circumstances, attitudes and potentialities.” E, ancora in un’intervista a The Guardian, Antony Gormley, autore di New York Clearing (installazione CONNECT, BTS a New York) definisce l’operazione “un atto di speranza”.

MA PERCHÈ UN GRUPPO PROVENIENTE DA UN PICCOLO – seppur innovativo- STATO DELL’ASIA HA DECISO DI INVESTIRE IN PROGETTI DI ARTE CONTEMPORANEA SPARSI PER IL MONDO?

In molti, sia in patria sia all’estero, hanno cercato di spiegare l’inaspettato successo della band: fra le ragioni c’è il ruolo attivo dei sette membri della band nella scrittura e produzione della musica, fenomeno relativamente raro all’interno dell’idol music coreana, o le loro performance dal vivo, accompagnate da complesse coreografie. Ma un altro elemento chiave del loro successo è sicuramente la capacità del gruppo di connettere, relazionarsi e raccogliere un gruppo di fan appassionati a livello globale (conosciuti come Army), che promuovono e supportano i loro idoli sui social spesso attraverso complesse campagne coordinate.

CONNECT, BTS nasce all’interno degli sforzi promozionali dell’ultimo album della band (Map Of The Soul:7). Insieme a video musicali e apparizioni televisive, la band ha infatti annunciato l’apertura delle varie sedi del progetto. L’idea è stata interpretata da subito come modo di introdurre nuove audiences all’arte contemporanea: la target audience dei BTS, che ci si può immaginare come prevalentemente giovane, non coincide esattamente con quello che ci si aspetta sia il pubblico dell’arte contemporanea.

Il progetto è sicuramente innovativo: per quanto collaborazioni tra musicisti e artisti non siano nuove, di solito sono limitate ad un singolo evento  artistico (per esempio la copertina dell’album o una clip dell’album come: dalla classica copertina dei Rolling Stones firmata da Andy Warhol al videoclip di Beyoncé e Jay Z girato al Louvre, e in patria i lavori di Marco Mengoni o il più recente esperimento di attualizzazione di gruppi scultorei nel video Rose Viola di Ghemon). Nel caso dei BTS invece il progetto lascia ampio spazio agli artisti coinvolti e pone il gruppo nel ruolo di mecenate e coordinatore: il tema ricorrente dei loro progetti è, quindi, una fonte di ispirazione per gli artisti, e il loro contributo dà più spazio e maggiore visibilità all’arte.

La decisione di includere l’arte nella promozione di un album deve quindi suscitare l’interesse di tutti. Bighit è stata recentemente nominata da Fast Company come la quarta compagnia più innovativa al mondo, sotto giganti come Microsoft e Tesla. Il cuore di questa innovazione è proprio l’utilizzo della tecnologia per connettere e mobilitare i fan, attraverso la creazione di app e altri strumenti ad hoc di coinvolgimento delle community.

E’ quindi promettente che l’arte e i musei siano stati scelti come canale in cui sperimentare queste innovazioni, soprattutto nella loro declinazione più classica – lo spazio fisico e lo spazio pubblico: per andare a compensare degli aspetti che attività social e prodotti digitali non riescono a ricreare.

Invece che essere un investimento laterale, o una forma di Corporate Social Responsibility, CONNECT, BTS può essere letto come parte integrante di una strategia globale, che suggerisce l’importanza di investire in arte e musei non solo per il loro valore simbolico, ma per la capacità unica che hanno di unire le persone.

In questo periodo, abbiamo visto sempre più sperimentazioni da parte di artisti per comunicare il proprio lavoro, e collaborazioni inaspettate fra generi e piattaforme: un ottimo esempio è la collaborazione fra FORTNITE e Travis Scott, in cui il rapper americano ha utilizzato il videogioco per promuovere il suo nuovo video musicale. Il videogioco diventa uno strumento per comunicare, e anche il solo successo numerico dell’operazione (46 milioni di visualizzazioni totali) dimostra l’importanza di intraprendere nuove strade.

Anche il mondo dei musei è stato costretto a riflettere, in questi ultimi mesi, su nuove strategie e opzioni per raggiungere le proprie audience, e noi di soluzionimuseali ims abbiamo indagato anche quale sia stata la risposta del pubblico.

Questi esempi di successo che arrivano dal mondo della musica ci dimostrano l’importanza del ruolo della tecnologia e della rete per per mettersi in contatto con le persone e far crescere l’interesse reciproco, connettendosi e promuovendo i propri messaggi. Ci ricordano però anche i loro limiti e come per essere efficace il loro utilizzo debba essere integrate con la possibilità di vivere queste esperienze di persona.

INNOVAZIONE E COMPETITIVITÀ PER LE REALTÀ CULTURALI

Risulta sempre più importante parlare di fundraising culturale, ma quali sono le nuove prospettive?

Il fatto che il settore culturale sia caratterizzato da una cronica mancanza di fondi non è una novità nel panorama italiano. Ma come può un museo affrontare e soddisfare la domanda culturale quando i fondi che ha a disposizione sono sempre più scarsi? Soprattutto come potranno fare raccolta fondi dopo questa chiusura forzata che ha interrotto i flussi di cassa dei musei e che ridurrà di molto gli introiti da bigliettazione? Molti musei puntavano sulla raccolta fondi, ma d’ora in poi quali saranno le prospettive del fundraising culturale? Un dato che risulta chiaro è che, molto più di prima si dovrà mirare al coinvolgimento di tutti i livelli della società: enti pubblici, associazioni, mondo corporate ma soprattutto soggetti privati, che dovranno essere coinvolti e responsabilizzati nel sostegno alla cultura e al patrimonio museale.

Resta fondamentale la figura del fundraiser, figura professionale trasversale con un forte background culturale con spiccate capacità relazionali. Dovendosi interfacciare con vari interlocutori è necessario che segua tutti i passaggi del progetto. Spesso il miglior fundraiser è il direttore del museo, che conosce approfonditamente il “prodotto” di cui è fortemente convinto e riguardo al quale può essere proficuamente convincente. Tuttavia, un bravo fundraiser deve possedere consapevolezza economica e conoscere il più possibile tutti i settori merceologici per identificare quali possano essere gli interessi dei suoi interlocutori. Questo è il motivo per cui alcuni musei si indirizzano a fundraiser specializzati che sappiano progettare una strategia a lungo termine che anticipi e accompagni la creazione di nuovi progetti.

Gli strumenti tradizionali a disposizione del fundraiser, sono diversi: il c.d. Artbonus, che introduce un’importante agevolazione fiscale a favore del mecenatismo culturale; le erogazioni liberali in denaro che possono costituire fiscalmente, a secondo della tipologia del soggetto erogatore, oneri deducibili dal reddito (imprese) o oneri detraibili dall’imposta sul reddito (persone fisiche e enti non commerciali); il rapporto con le fondazioni bancarie che, nel panorama italiano, sono il soggetto non-profit, privato e autonomo di maggior peso per quanto riguarda il sostegno all’arte e alla cultura.

Tra gli strumenti che massimizzano gli effetti del fundraising culturale, un posto di merito spetta alle sponsorizzazioni e alle partnership.

Attraverso le sponsorizzazioni e le partnership, i musei potranno coinvolgere e condividere know how con le realtà produttive del Paese consentirà anche di creare un territorio ibrido di confronto e di crescita.

In questo panorama dinamico e sempre aperto a nuove possibilità, i musei devono mostrarsi innovativi, aperti al dialogo, ma ancor più devono essere capaci di sfruttare il loro grande potenziale comunicativo per risultare più attrattivi. La creazione di contenuti è alla base dell’economia del XXI secolo. Il mondo della cultura può essere un ottimo alleato per le aziende italiane, anche in momenti di crisi e difficoltà, come quello che il Paese sta vivendo. Basti pensare alla moltitudine di iniziative online dei grandi e piccoli musei che potrebbero essere sponsorizzate da aziende private per sostenerne i costi e la produzione.

Il timore che i “benefattori”, soprattutto se investitori di ingenti somme, chiedano una un trattamento di favore all’interno della progettazione culturale è superato dalla fiducia che il pubblico ripone nella metodologia museale e sarebbe una mancanza di fiducia, quindi un fallimento, proporre un contenuto non coerente con la missione del museo.

In Italia, è stato stimato che il fundraising incide per l’11% sul bilancio delle Fondazioni culturali mentre solo per il 3% per i musei autonomi (14° rapporto Federculture).

Ancora minore è stato finora l’impatto del crowdfunding rispetto al fundraising culturale nei bilanci dei musei anche per l’impegno forse ancora più stringente che questa attività richiede. Infatti, se la raccolta fondi nei confronti del mondo corporate ha delle criticità, le campagne di crowdfunding richiedono conoscenza del proprio pubblico e del pubblico potenziale, la creazione di comunità, una buona dose di attivismo a livello on e off-line, l’ideazione di ricompense e, soprattutto, dopo la fidelizzazione dei partecipanti. Tuttavia, sempre di più la responsabilità dei singoli dovrà essere chiamata in causa per il mantenimento del nostro patrimonio culturale e sempre di più i musei e i consulenti museali saranno chiamati a seguire “pensieri laterali”, fuori dall’ordinario per trovare soluzioni alla cronica mancanza di finanziamenti ai musei.

Articolo scritto in collaborazione con Alice Celeste

Questa settimana, anche su vostra richiesta, abbiamo deciso di approfondire un tema più specifico dei precedenti: il Transmedia Storytelling.

Nelle scorse settimane abbiamo pubblicato qualche consiglio per migliorare la comunicazione online dei musei in questo periodo difficile.

MA CHE COS’È IL TRANSMEDIA STORYTELLING E PERCHÉ È UTILE PER LE ISTITUZIONI CULTURALI?

Quello di transmedia storytelling è infatti un termine che compare spesso quando si parla di comunicazione digitale. Una tecnica affascinante usata con successo dal mondo dell’intrattenimento e del marketing, ha inoltre il potenziale di adattarsi facilmente a diversi contesti culturali come quello museale.

Ma prima di parlare del suo ruolo nei musei ci sembra importante iniziare con un po’ di teoria, per chi non fosse ancora familiare con il termine.

in breve, con transmedia storytelling si definiscono esperienze di intrattenimento complesse e coordinate, in cui elementi integrali della storia sono distribuiti su più media e piattaforme contemporaneamente, e che portano alla creazione di universi narrativi che contengono molteplici storie e personaggi.

E’ chiaro perché queste caratteristiche del transmedia storytelling lo rendono uno strumento importante nel mondo dell’intrattenimento: esplorare un numero potenzialmente infinito di storie attraverso diversi strumenti ti porta ad avvicinare un pubblico ampio e diversificato, oltre che a darti la possibilità di reinventare e sviluppare i tuoi contenuti senza dover partire ogni volta da zero.

Queste tecniche possono essere utilizzare nel mondo dei Musei e diventare un elemento chiave in diversi contesti. Uno dei vantaggi del transmedia storytelling è la sua adattabilità: non esiste una ricetta perfetta, e le sue tecniche possono essere usate come spunto per sviluppare strategie comunicative, o per creare un’esibizione che non sia limitata allo spazio fisico.

ALCUNI CONSIGLI UTILI SU COME SVILUPPARE UNA ESPERIENZA DI TRANSMEDIA STORYTELLING PER I MUSEI

• Scegli la o le storie da raccontare. I musei partono avvantaggiati: hanno molte storie da raccontare e i loro spazi e contenuti hanno già fascino e potenziale immersivo. Decidi cosa raccontare e a chi secondo le indicazioni che abbiamo fornito negli articoli precedenti.
• Scegli i media adatti. Gli esempi a cui si pensa più spesso sono film e videogiochi ma un’esperienza di transmedia storytelling può comprendere anche libri, musica, sceneggiature teatrali… Ogni piattaforma ha i suoi obiettivi, uso e audience specifica. Ognuna offre un potenziale punto di ingresso nella storia, e può offrire diverse esperienze.
• Assegna compiti specifici a persone diverse. Il cuore di tutto è la storia: serve per sviluppare empatia, per intrattenere, per coinvolgere. Ci sono professionisti dello storytelling: registi, attori, scrittori. Chiedere il loro contributo può rivelarsi essenziale.
• Conosci il tuo pubblico. E’ sempre una questione di comunicazione, alla fin fine! Adatta il linguaggio e il tono di voce al mezzo che usi e a chi vuoi raggiungere.
• Ricordati di essere social. I social media si prestano molto facilmente a realizzare esperienze di transmedia storytelling e permettono un dialogo diretto con il tuo pubblico. Ovviamente anche in questo caso è importante sviluppare strategie specifiche in base alle caratteristiche di ciascuna piattaforma.
• Costruisci a più livelli. Il pubblico deve avere la possibilità di investigare e interagire. Ma questa deve essere un’opzione: il tuo contenuto deve riuscire a rivolgersi anche a chi preferisce una lettura più passiva. Un’esperienza di transmedia storytelling non si deve sviluppare solo in maniera orizzontale, su varie piattaforme, ma anche in verticale, con più livelli in ogni singolo elemento.
• Definisci il tuo obiettivo. Il transmedia storytelling può essere utilizzato come strumento per portare pubblico nel tuo museo o promuovere una mostra, oppure l’obiettivo primario può essere quello di educare ed informare sul patrimonio del tuo museo. O ancora: il transmedia storytelling può poi essere utilizzato per creare e definire il brand del tuo museo. Avere un obiettivo chiaro, facilita il racconto e la sua organizzazione.
• Ricordati di essere riconoscibile. Come già detto, è importante dare spazio alla creatività di tutti coloro che collaborano. Ma la tua esperienza deve avere una forte riconoscibilità: dai a ciascun elemento un carattere specifico, ma mantieni coerenza di immagine e contenuti.
• Non dimenticarti di quello che hai già. Il transmedia storytelling nasce in un mondo che oramai si è ampiamente “virtualizzato”, ma il fatto che le grandi case cinematografiche stiano sempre di più spingendo sulla creazioni di parchi divertimento ed esperienze immersive da vivere di persona ci ricorda come le esperienze più potenti siano spesso proprio quelle che possiamo “toccare con mano”. I musei sono facilitati: ricordati che il tuo museo deve essere una parte integrale dell’esperienza, i suoi spazi possono essere proprio il tuo punto di partenza.

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SE SÌ, COME?

Fatecelo sapere con un commento o un messaggio!

La scorsa settimana abbiamo proposto 5 suggerimenti per migliorare la comunicazione online delle istituzioni culturali e affrontare al meglio la difficile situazione odierna.

Molti di voi hanno trovato i nostri consigli utili e per questo abbiamo pensato di andare avanti con queste piccole guide e approfondire un tema fondamentale: gli obiettivi della comunicazione.

Qualsiasi iniziativa, piccola o grande che sia, non può partire se non si hanno ben chiari gli obiettivi. Sapere chi siamo e dove andiamo ci permette di comunicarlo efficacemente anche agli altri.

ECCO GLI OBIETTIVI CHE UNA BUONA COMUNICAZIONE MUSEALE DEVE COLPIRE:

• Visibilità: darsi una “veste” grafica e visuale che spicchi sul “rumore” di fondo.
• Riconoscibilità: parlare con un “tono” personale. Nel mare della comunicazione social, la vostra voce si riconosce?.
• Autenticità dei vostri messaggi: più siete “autentici” in ciò che dite, più riuscirete a farvi riconoscere e ad ottenere autorevolezza.
• Accessibilità sia nella chiarezza dei messaggi: una comunicazione semplice e diretta è sempre la più efficace; sia nella raggiungibilità : rispondere ai commenti, essere vicini al vostro pubblico.
• Attrattività: cercare nel messaggio testuale e visuale qualcosa di particolare, unico, che avete solo voi; qualcosa che possa stimolare non solo la risposta ma anche la voglia di venire a visitare il vostro museo o di continuare a seguirvi.
• Coerenza: sempre, alla base di tutto deve emergere la coerenza fra chi siete e cosa/come comunicate. La missione del vostro museo e la visione che avete deve essere alla base delle vostre strategie di comunicazione.

Per raggiungere questi obiettivi dovete sempre tenere in considerazione la missione del vostro museo, la sua visione e la sua offerta culturale. Queste sono anche le basi da cui può prendere forma il brand dell’istituzione, all’interno del quale è racchiuso il vostro universo narrativo ed esperienziale.

Il fine ultimo della comunicazione online non è costruire un monologo, una voce nel vuoto ma un dialogo con qualcuno. Ecco perché anche nello sviluppo degli obiettivi è bene avere in mente a chi vi volete rivolgere e modificare il vostro tono di voce di conseguenza.

E come la volta scorsa, vi chiediamo di prendere un foglio e rispondere ad alcune domande:

E COME LA VOLTA SCORSA, VI CHIEDIAMO DI PRENDERE UN FOGLIO E RISPONDERE AD ALCUNE DOMANDE:

• Chi sei?
• Cosa vuoi dire?
• A che tipo di persone vuoi parlare?
• Con che tono?
• Con quale immagine?
• Per quale scopo?
• Riesco a creare una storia con tutti i messaggi che comunico oppure i miei messaggi sono una storia in sé?
• Voglio raggiungere degli obiettivi quantitativi?

Ricordate anche che oltre agli utenti, la vostra comunicazione può stringere relazioni con lo spazio che vi circonda: stakeholder, testimonial, reti di cui fate parte o in cui volete entrare. L’uso di hashtag e tag deve essere calibrato per la risonanza che volete dare ai vostri messaggi.

Seguiteci e fateci sapere se vi siamo stati utili con un messaggio o un commento!

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5 CONSIGLI PER MIGLIORARE LA TUA COMUNICAZIONE ONLINE

Parliamo di digital storytelling per i musei. Ecco 5 consigli per comunicare e valorizzare al meglio i vostri contenuti sui social.

La situazione d’emergenza in cui ci troviamo e la conseguente chiusura delle istituzioni culturali ha forzato lo spostamento sulle piattaforme digitali, dando vita a diverse iniziative online.
Non tutti i musei erano preparati a questo ma tutti si sono adattati utilizzando strategie creative di comunicazione, attivandosi in un approccio che doveva essere adottato da tempo dalle istituzioni culturali italiane ma che invece era stato spesso posto in secondo piano.
Ora, vogliamo contribuire ad affrontare le criticità insieme; per questo vogliamo offrire 5 consigli per comunicare al meglio i vostri contenuti sui social. In particolare, ci rivolgiamo alle piccole e medie istituzioni culturali che non hanno troppe risorse da dedicare alla comunicazione sui social media.

Sfruttiamo questo tempo per imparare a sperimentare e utilizzare strumenti sempre più indispensabili nel futuro.

DARSI UN OBIETTIVO

Non puntare al successo immediato, ma al raggiungimento di un obiettivo specifico.
Per esempio: far cliccare ai visitatori un determinato link o far iscrivere il pubblico alla newsletter; raggiungere un buon livello di engagement o attirare un particolare target di utenti che altrimenti non verrebbero al museo.
È fondamentale avere una missione e una strategia chiara.

CREA UNA GUIDA DI STILE

Crea un documento dove raccogliere tutte le informazioni essenziali per la tua comunicazione in modo tale da mantenere uno stile unico e riconoscibile: è importante che ci sia una forte coerenza fra chi sei e come/cosa comunichi.
Determina il tono di voce della tua istituzione in modo che sia adeguato alle circostanze dei tuoi messaggi e che quindi riesca a interessare il target a cui si riferisce (in un prossimo articolo parleremo di Brand e di voce e torneremo su questo aspetto del tono. Per ora fermiamoci al fatto che il tono di voce è il modo di parlare della tua istituzione, denota la personalità del tuo museo. Non riguarda quello che dici ma come lo dici.

Dove iniziare?

• Fai un elenco di almeno 10 parole che ti descrivono perfettamente e 10 parole da evitare;
• Identifica almeno 2-3 valori dell’istituzione che devono sempre trasparire dai tuoi contenuti

IL SISTEMA VISIVO

Quando apriamo un Social Media la prima cosa che ci viene messa in evidenza è l’immagine. È importante quindi non sottovalutare la loro efficacia in un post. Molti studi infatti affermano che il cervello umano ricorda più facilmente ciò che vede. Un immagine comunica alle persone grazie ai colori, all’atmosfera, alle emozioni evocate e ai font utilizzati.
Per rendere un’immagine accattivante sui social bisogna seguire alcune regole:

• La qualità dell’immagine: scegliere foto nitide in modo che il soggetto sia ben definito. Evitare foto fuori fuoco o di bassa risoluzione che risultano sgranate;
• Le dimensioni: ogni social ha dimensioni e standard differenti. Quindi è importante tenere in considerazione i social di destinazione e scegliere un’immagine che possa facilmente essere declinata in diverse dimensioni;
• I colori: per renderti riconoscibile suoi social è possibile sfruttare la combinazione di colore legata al museo e all’immagine coordinata. In questo modo le immagini saranno più coerenti e in linea con la tua identità;
• Le Font: per scegliere le font giuste bisogna tener conto della sua leggibilità, in modo che si differenzi dal resto, della coerenza con l’immagine coordinata, delle dimensioni nello spazio e del colore che deve creare un contrasto con lo sfondo. Un consiglio generale è quello di non usare troppi font differenti, massimo due, e di preferire le font sans-serif che aiuta la leggibilità sui dispositivi;
• La composizione e la regola dei terzi: un’immagine deve essere equilibrata nella composizione e per questo motivo è utile sfruttare la regola dei terzi. Per applicarla è necessario dividere l’immagine in terzi sia con linee verticali che con linee orizzontali e bisogna assicurarsi che il soggetto sia posizionato in uno dei punti di intersezione delle linee.

Un ultimo consiglio è quello di testare l’immagine su diversi dispositivi prima di pubblicarla. Questo perché spesso capita di realizzare l’immagine sul computer e sembra avere un buon impatto, ma non sempre quando la vediamo su un dispositivo mobile risulta accattivante.

CONTENUTI NARRATIVI

La forza del digitale si trova nella costruzione di un rapporto empatico. Creare un legame tra i contenuti e il pubblico vuol dire raccontare storie nel quale il pubblico si può immedesimare. Un racconto in grado di toccare da vicino il lettore crea e sedimenta un rapporto duraturo.

Ok, ma in pratica cosa posso fare?

• Abbandona l’autoreferenzialità;
• Trova temi, sentimenti, storie universali o estremamente uniche per coinvolgere il lettore e sviluppa nei contenuti la capacità di evocare: il tuo contenuto deve diventare un piccolo momento di piacere per le persone che ci leggono;
• Non aver paura di uscire dalla comunicazione istituzionale. Perfetta per il sito web, meno per la comunicazione sui social media. Racconta i retroscena, i processi lavorativi, un’esperienza;
• Non trascurare l’editing del testo. Va bene non comunicare rigidamente ma attenzione agli spazi, alla punteggiatura, ai paragrafi. Se vuoi mantenere l’attenzione del pubblico tutto ciò che scrivi deve essere perfettamente leggibile, chiaro e conciso;
• Quality over quantity: l’algoritmo premia contenuti “eterni”. Meglio postare un solo contenuto interessante che 10 poco curati e ripetitivi.

FARE RETE

L’istituzione deve sempre interfacciarsi con i suoi stakeholders sia offline sia online. Quindi perché non coinvolgerli anche digitalmente? Un museo della stessa città o provincia, una scuola con i suoi studenti, personalità di spicco del settore. Contattate, taggate, coinvolgete, co-create.
Questo non solo potrà aumentare l’engagement dei vostri contenuti ma soprattutto, con il tempo, creerà una comunità forte e ben definita dentro e fuori la rete.

TROVA LA TUA STRADA

Non esistono regole rigide da seguire per comunicare, ogni istituzione culturale è unica e per questo è importante costruire una strategia su misura.
In ogni caso si può riassumere che si comunica bene se:

• si amplia il proprio pubblico;
• si trasmette consapevolezza;
• si condivide conoscenza;
• si raccolgono reazioni;
• si diffondono informazioni;
• si creano sinergie;
• si incrementa la propria reputazione

Non importa da dove parti e quali sono i tuoi limiti, l’importante è iniziare!

Se questo contenuto vi è stato utile fatecelo sapere con un commento o un messaggio.